Dix films incontournables de Bollywood et des films indépendants du 21e siècle
Selon les critiques, les années 1990 ont été moche. Mais au tournant du millénaire, les choses n'ont fait qu'empirer. Juste au moment où tous les espoirs étaient perdus, miraculeusement, grâce à l'émergence d'une nouvelle race d'acteurs et de réalisateurs indépendants, Bollywood s'est tourné vers un changement sismique dont l'héritage le façonne encore aujourd'hui.

Jetez un œil à notre sélection de films bollywoodiens et indépendants du 21e siècle.
Pensez à Bollywood « moderne » et deux films se démarquent. Les deux sont tellement différents l'un de l'autre dans leur sujet et leurs styles visuels que leur énoncé même dans le même souffle peut sembler un outrage aux cinéphiles. Calmez-vous. Ce sont Satya et Dil Chahta Hai. Ne soyez pas surpris si la première personne à s'offusquer de cette déclaration est Ram Gopal Varma lui-même, le «génie perdu» de Satya. Et l'homme qui avait redéfini la grammaire de la romance dans les années 1990 avec Rangeela. Mais donnez-vous un moment pour laisser la comparaison entrer en jeu. Grattez la surface et ils ont quelques points en commun. Satya a pratiquement inventé le réalisme bollywoodien moderne. Situé dans le pays des gangsters de Bombay, c'était, à un niveau, peut-être plus de fantaisie que de réalité. Selon le non-conformiste RGV, aujourd'hui réduit à n'être qu'un fantôme du passé, la dureté de Satya, à commencer par le titre, a été influencée par l'obsédante Ardh Satya de Govind Nihalani.
En d'autres termes, ce que Satya a fait au «réalisme» ce que Dil Chahta Hai de Farhan Akhtar a fait à l'urbanisme, un début révolutionnaire qui a jeté les bases de chaque comédie urbaine qui l'a suivi. DCH nous a séduits avec une nouvelle représentation du réalisme urbain. Les gangsters grossiers de Satya parlent beaucoup comme des gangsters grossiers, à moins que vous ne connaissiez personnellement un gangster habile qui, comme l'a fait remarquer le parolier Gulzar, invoquerait Ghalib au lieu de 'Goli maar bheje mein'. D'un autre côté, les bons mots urbains de Dil Chahta Hai étaient probablement la première fois que vous entendiez le millénaire parler sur un écran hindi. Les boutades du film continuent d'embellir les GIF et les mèmes.
Alimenté par les coupes de cheveux à la mode (c'est ce qui arrive lorsque votre femme possède un salon), les voyages sur la route de Goa et les sorties d'élite des garçons, DCH a, depuis sa sortie en 2001, rassemblé un grand nombre de fans. Si, parfois, l'ensemble en devenir (avec Aamir Khan, Dimple Kapadia, Akshaye Khanna, Preity Zinta et Saif Ali Khan), avec ses valeurs de production élevées, joue comme un film publicitaire coûteux, blâmez le réalisateur Farhan Akhtar (expérience personnelle minière de privilège et de rejet à verser dans le scénario) qui avait fait ses armes dans la publicité avant l'époque du cinéma.
Aujourd'hui, nous avons peut-être perdu Farhan Akhtar le réalisateur au profit, malheureusement, de Farhan Akhtar l'acteur, ses débuts sont survenus à un moment où Bollywood avait un besoin urgent de nouvelles voix audacieuses. C'était bien avant qu'Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj et d'autres signes avant-coureurs d'espoir n'éclatent sur la scène pour nous donner leur propre interprétation de 'l'amour' comme pour défier la formule de Bollywood. Alors que les usines de brillance de Karan Johar consistaient à aimer votre famille, Kashyap, Bhardwaj et les autres ont renversé cette idée avec un défi ouvert, épousant à la place des familles et des relations dysfonctionnelles qui étaient probablement plus réelles que les émotions du designer de Johar.
Le cinéma hindi a marqué le millénaire avec Amitabh Bachchan, le plus grand de tous, luttant pour retrouver son mojo perdu via Mohabbatein, la naissance de Hrithik Roshan (également, malheureusement, d'Amisha Patel dans Kaho Naa..Pyaar Hai) et un classique Akshay Le camp de Kumar -Suniel Shetty appelé Dhadkan dans lequel Anna, une résidente de Bollywood, a martelé comme une amante abandonnée. Les tubes de 2000 étaient pour la plupart taillés dans le même tissu que ceux des années 1990, le cordon ombilical finalement coupé par le Saint Graal qu'était Dil Chahta Hai.
La décennie 2000 a peut-être eu des débuts timides, mais en fin de compte, il s'est avéré qu'elle s'est avérée être une ère inestimable, qui nous a donné des dizaines de films influents à chérir et à réfléchir – un héritage qui se poursuit encore aujourd'hui. Le développement le plus extraordinaire du cinéma hindi du 21e siècle est la montée inattendue de talents aussi divers que Irrfan Khan, Nawazuddin Siddiqui, Rajkummar Rao, Manoj Bajpayee, Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj, Radhika Apte, Ayushmann Khurrana, Sriram Raghavan, Alia Bhatt et Vicky Kaushal, pour n'en nommer que quelques-uns. Dans un écosystème de liberté retrouvée et de nouvel ordre hiérarchique, les films en hindi sont devenus le reflet de la société dans laquelle nous vivions et des expressions farouchement personnelles de ceux qui créent cette marque de cinéma sans compromis, contribuant à expliquer une résurgence créative à Bollywood jamais vue auparavant. Qu'il s'agisse enfin de trouver le pouls du public, d'un groupe de cinéastes non conventionnels imposant au public leur goût raffiné et encyclopédique ou simplement que les cinéphiles soient devenus intelligents, c'est difficile à dire. La foi dans le bon cinéma a été restaurée. Alors que les frontières entre l'art et le commercial tombaient comme le mur de Berlin, des histoires intéressantes ont émergé des décombres, brisant toutes les règles et normes.
Khosla Ka Ghosla (2003) de Dibakar Banerjee, Munnabhai MBBS (2003) de Raju Hirani, Swades d'Ashutosh Gowariker (2004) et Dev.D (2009) d'Anurag Kashyap ont été quelques-unes des pierres angulaires de la dernière décennie. Les types de films se méfient souvent de la publicité, mais il est facile d'oublier à quel point la publicité a enrichi ce média. Satyajit Ray et Shyam Benegal devraient suffire pour le moment. Tout comme eux, le parcours publicitaire de Dibakar Banerjee l'a aidé à percer dans les films. Comédie douce qui a immédiatement valu les premières comparaisons avec les œuvres de Hrishikesh Mukherjee, Khosla Ka Ghosla est une tranche de vie qui a progressivement trouvé son public dévoué au fil des ans. Mais contrairement au bien-aimé Mukherjee, la carrière du compatriote bengali s'est depuis forgé un avenir incroyablement différent.
Venez 2005, et vous avez la vieille garde Sudhir Mishra qui fait de son mieux. Ivre à parts égales de Marx et de Ghalib, Hazaaron Khwaishein Aisi conjugue les deux passions du réalisateur : la poésie et la politique. Que nous vivions à une époque capitale pourrait être jugé par le fait qu'il était possible pour Dibakar Banerjee et Anurag Kashyap de faire des films aux côtés de leurs prédécesseurs comme Mishra et Mira Nair. Incidemment, Nair a introduit la décennie avec Monsoon Wedding, un classique du crossover de 2001 qui, selon le critique Philip French, était son meilleur film depuis ses débuts mémorables en 1988, Salaam Bombay !
Nos dix titres reflètent notre tentative de réduire le meilleur de l'ère post-2000, y compris les plus récents comme Piku, Mukti Bhawan et Dangal. Très actifs et pourtant plus lents que ses pairs, Padmaavat et Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali figurent sur notre liste. Ces deux opus magnums sont les plus représentatifs de la grande sensibilité de SLB, de son style visuel, de son oreille fine pour la musique et de sa capacité même à évoquer des visions de la beauté. Une épopée historique à la fois.
À côté des épopées figurent de petits films sous-estimés que certains d'entre vous ont peut-être manqués lors de la sortie initiale. Nous vous laisserons découvrir ceux-ci, ainsi que ceux que vous connaissez bien. N'hésitez pas à ne pas être d'accord.
Padmaavat (2018)
‘Allah ki banayi har nayab cheez par sirf Alauddin ka haq hai’ – Alauddin Khilji

Deepika Padukone et Shahid Kapoor à Padmaavat. (Photo : Productions Bhansali)
Les meilleurs films de Sanjay Leela Bhansali sont souvent, au fond, des triangles amoureux condamnés – Hum Dil De Chuke Sanam, Devdas, Saawariya et Bajirao Mastani. En tête de liste Deepika Padukone, Shahid Kapoor et Ranveer Singh , Padmaavat n'est pas différent. Comme toujours, Bhansali entreprend de faire un magnum opus et y parvient presque cette fois. Vous pouvez voir la touche SLB dans presque chaque cadre, soigneusement conçue comme une fresque baroque qui raconte la saga de la reine guerrière Padmavati (Deepika Padukone) et du roi Ratan Singh (Shahid Kapoor) dont le seul but est de rappeler aux téléspectateurs les nombreux traits ( guroor, usool etc) qui définissent la fierté Rajput. Entrez Alauddin Khilji, joué par Ranveer Singh, la muse préférée de Bhansali. Khilji est un intrus, dans leur mariage et en Inde, avec de mauvais desseins sur les deux. À partir du moment où Bhansali lui présente le coureur de jupons le jour de son mariage, vous savez que Khilji est imprévisiblement odieux mais étrangement excitant. Le golden boy de Bhansali joue le puissant challenger du sultanat de Delhi avec un mélange de camp fantaisiste et de trickster de papy-show. Tour à tour objet de parodie et de pitié, il attise suffisamment de forces obscures pour faire de Padmaavat son as. Doublement réalisateur et compositeur de musique, Bhansali utilise le drame, la scénographie, la musique, l'ambiance et des lignes percutantes dignes de K Asif pour créer un monument incontestablement SLB qui est aussi énigmatique cinématographiquement qu'historiquement défectueux.
Mukti Bhawan (2017)
« Koshish karne se kaun marta hai » – Mme Verma

Une photo de Mukti Bhawan. (Photo: Images animées du tapis rouge)
Étant donné que le Mukti Bhawan sans étoile à petit budget de Shubhashish Bhutiani est une méditation sur la « mort », vous serez peut-être surpris de découvrir qu'il est si plein de vie, le tout observé avec acuité et avec un formidable sens de l'humour. Bhutiani oppose l'Inde moderne - des téléphones qui sonnent sans cesse perturbant les heures de repas paisibles en famille, des conversations Skype dans des cybercafés délabrés, des filles à scooter - avec l'Inde traditionnelle et ses valeurs et rituels gravés dans la pierre. Le film s'ouvre avec le vieillissement Dayanand Kumar (Lalit Behl) déclarant que son temps est écoulé. Son fils dévoué, le sage Rajiv (Adil Hussain) est un maître de maison au sens hindou du terme. Comment tout quitter pour accompagner son père dans son ultime voyage vers le salut ? À contrecœur, plus par devoir que par amour, le fils accepte un voyage à Banaras, la ville sainte hindoue où Daya a choisi de mourir. Le titre Mukti Bhawan fait référence à une auberge animée où de vieilles âmes errent pour mourir, mais comme l'aubergiste le met en garde avec insistance au début, vous avez un maximum de 15 jours pour mourir. Après ça? demande un Rajiv perplexe. « Rentrez chez vous ! » Bhutiani a le don de localiser l'humour noir dans les situations les plus banales. Donc, vous avez l'aubergiste qui repousse un enfant indiscret au milieu d'offrir des perles de sagesse sur le « salut » ou lorsque Rajiv répond avec ironie (cela pourrait être la ligne la plus drôle du film) Les millionnaires mangent des fruits, pas des sages aux demandes de son père acheter des fruits pour le déjeuner après que le vieil homme est soudainement inspiré à suivre le régime d'un sage. La relation de Rajiv avec papa Daya forme le noyau émotionnel de Mukti Bhawan et le duo se lie (une scène se déroulant sur le Gange alors que Daya partage son souhait de renaître en tant que kangourou est emblématique du genre d'humour dans lequel ce film se délecte) malgré les réticences initiales de Rajiv , le message du film devient clair : apprendre à lâcher prise.
Dangal (2016)
« Mhari choriyan choron se kam hain ke ? » - Mahavir Singh Phogat

Une affiche de Dangal, vedette d'Aamir Khan. (Photo : Aamir Khan Productions)
Peu de stars connaissent l'importance du « mélodrame » et sa curieuse relation avec le « divertissement » dans le contexte indien comme Aamir Khan. C'est cette capacité à chevaucher avec succès l'art haut et bas qui a fait de lui un mastodonte du box-office. Dans Dangal, un drame sportif inspiré de la vie de l'entraîneur-lutteur Mahavir Singh Phogat et de ses filles médaillées d'or Geeta Phogat et Babita Kumari, le réalisateur Nitesh Tiwari sait aussi sûrement que Khan et le reste de la distribution talentueuse qu'il s'agit d'un Véhicule d'Aamir Khan jusqu'au bout. À Rang De Basanti, Khan a laissé d'autres garçons intervenir et sauver la situation. Cette fois, il va propulser le point culminant malgré le public enraciné de tout cœur pour les filles. La principale préoccupation du film est de savoir comment Mahavir (Khan), un petit has-been qui se promène autour des akadhas (anneau) faisant de la vie un enfer pour ses filles (la chanson Bapu, sehat ke liye tu toh hanikarak hai est le fervent plaidoyer des filles contre le régime de papa), fouettera les recrues Geeta (Zaira Wasim, Fatima Sana Shaikh) et Babita (Suhani Bhatnagar, Sanya Malhotra) dans une machine à gagner de l'or. Le film commence avec Mahavir en quête d'un héritier mâle, mais lorsque ses filles rentrent à la maison après avoir malmené un garçon du coin, il ne tarde pas à repérer leur talent pugiliste caché. Comme la plupart des gens qui plaisent à Khan, Dangal est un choc émotionnel qui est trop heureux d'ajouter une poignée de problèmes sociaux (patriarcat, autonomisation des femmes, apathie institutionnelle, etc.).
Piku (2015)
« Kamaal hai, aap har baat ko pet ke saath kaise jodd dete hain ? » – Rana, propriétaire d'une agence de transport

Deepika Padukone et Amitabh Bachchan dans Piku. (Photo : Films MSM)
La dernière fois qu'Amitabh Bachchan a joué Bhaskar Banerjee, c'était dans Anand, une tragicomédie emblématique de 1971 qui a marqué le début de ses manches extraordinairement longues. Plus de quatre décennies plus tard, Bhaskar revient en père hypocondriaque de la millénaire Deepika Padukone dans cette tranche de vie. Le réalisateur Shoojit Sircar et l'écrivain Juhi Chaturvedi sont des fans des comédies chaleureuses et quotidiennes de Hrishikesh Mukherjee. Dans Piku, Bachchan sert de lien avec un passé lointain, un rappel opportun que Hrishikesh Mukherjee a disparu depuis longtemps, mais son influence est bien vivante et s'impose aux nouveaux cinéastes. (Khosla Ka Ghosla pourrait fonctionner comme une belle double facture avec Piku). Notez la douce ironie : à Anand, Bhaskar était médecin tandis que le Bhaskar de Piku (ou Bhashkor, comme le film préfère l'appeler) est le genre de patient chapelier fou qui conduirait le médecin sérieux et timide d'Anand, Bhaskar, au mur. Il est indûment obsédé par la digestion – comme le sont apparemment la plupart des Bengalis. Sircar oppose le Bhaskar embêtant et exagéré à la réserve calme et volontaire de sa fille, Piku (Padukone). Ce film parle de leur lien improbable. Dans une scène amusante, Bhaskar essaie de dissuader un jeune homme qui pourrait s'intéresser à elle en disant : Elle n'est pas vierge. Il ne veut pas qu'elle se marie et le laisse se débrouiller tout seul. Piku parle de la famille et de la parentalité (avec beaucoup de discussions sur le petit pot se faisant passer pour une marque d'humour bengali typique), mais aussi sur la prise en charge, un sujet que Sircar et Chaturvedi revisiteraient quelques années plus tard en octobre (2018) méconnu. Surprise : Irrfan Khan et la chimie inhabituelle de Padukone, alors que le film se lance dans un road trip amusant.
Bajirao Mastani (2015)
‘Aap humse hamari zindagi mang lete hum aapko khushi khushi de dete, par aap ne toh humse hamara guroor hi cheen liya’ – Kashibai

Ranveer Singh dans Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali. (Express photo d'archive).
Le héros de Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali doit prouver qu'il est digne du trône de Peshwa. Visant sa cible, sa flèche acérée frappe le centre de la cible. L'objet n'est pas la tête de l'ennemi mais une plume de paon inoffensive. Cachés en dessous se trouvent des monticules de symbolisme. Dans le récit de Peshwa Bajirao (Ranveer Singh), le paon est un symbole de l'empire moghol, la terre en dessous est le sol indien tandis que la flèche fatale appartient aux vaillants Marathes. La plume de paon a une résonance symbolique pour les événements à suivre, alors que le guerrier Maratha, très marié, tombe amoureux du musulman Mastani (Deepika Padukone). Il s'agit d'un artifice classique de Bhansali - ouvrant la voie à une finale maudite. Chaque remarque et argument de Bajirao Mastani est accompagné d'une catharsis à double tranchant. Comme Mastani le rappelle à l'épouse de Bajirao, Kashibai (une Priyanka Chopra scintillante), il m'a tenu la main mais n'a jamais quitté la vôtre et a forgé un lien avec moi tout en veillant à ce que la vôtre ne soit pas brisée. Pour Kashibai, c'était une malédiction de longue date. Il y a une scène stellaire au début lorsque son amie veuve portant les cendres de son mari l'avertit que, comme elle, elle souffrirait un jour par amour. Vous y êtes, la quintessence du languissement, du tourment et de la perte de SLB - chaque personnage le traverse, car le 'triangle' n'est rien d'autre qu'un cercle d'agonie et d'extase.
Cour (2014)
« Des temps difficiles sont là/Nous sommes déracinés de notre sol/Cette ère de cécité/A arraché nos yeux » – la poésie de Narayan Kamble (Sambhaji Bhagat)

Le tribunal est dirigé par Chaitanya Tamhane. (Photo : Zoo Entertainment Pvt Ltd)
Le système judiciaire indien est réputé pour sa lenteur. Les débuts de Chaitanya Tamhane observent la poursuite de la justice indienne avec un détachement cool. La caméra suit non seulement ce qui se passe à l'intérieur du tribunal mais aussi à l'extérieur, dans la vie et l'esprit des gardiens de la justice. Le militant social et chanteur de protestation Narayan Kamble est arrêté pour le suicide d'un égoutier, qui a eu envie de se suicider après avoir écouté l'une des chansons folkloriques entraînantes de Kamble. Une grande partie de ce film discret et de rechange se déroule dans la salle d'audience de Mumbai, alors que Kamble est convoqué pour l'audience. L'un des personnages les plus fascinants est l'avocat de la défense Vinay Vora (Vivek Gomber) qui, bien que représentant la caste inférieure Kamble, ne peut pas être plus éloigné socialement de lui. Privilégié et homme au goût raffiné (amoureux du fromage, du vin et du jazz), comment peut-il vraiment se considérer comme un champion des pauvres tout en vivant lui-même une vie d'élite ? En comparaison, la procureure Nutan (Geetanjali Kulkarni) mène une vie plus simple, incarnant la banalité bourgeoise qui la place dans la même classe sociale que Kamble. Le point de vue de Tamhane sur le droit et les législateurs est tour à tour satirique et empathique, mais la seule chose qui est cruciale pour son succès est à quel point il se révèle être observationnel et objectif. Bien joué (principalement un casting novice) et stimulant, Court est un triomphe du naturalisme.
La boîte à lunch (2013)
‘Kabhi kabhi galat train bhi sahi jagah pohocha deti hai’ – Cheikh

Irrfan Khan dans un alambic de The Lunchbox. (Express photo d'archive)
« Des âmes solitaires se rencontrent autour de boîtes de conserve indiennes tiffin. » C’est ainsi que The Guardian a accueilli le favori du festival de Ritesh Batra, mettant en vedette le métamorphe Irrfan Khan face à Nimrat Kaur et un Nawazuddin Siddiqui en plein essor. Le critique indien Baradwaj Rangan était plus créatif. Mangez, égarez-vous, aimez, résume-t-il. Autrement connu pour son efficacité, le service historique de dabbawala de Mumbai livre la boîte à lunch chaude et fumante au veuf Saajan Fernandes (Khan) au lieu de son propriétaire légitime, le mari de la femme au foyer Ila (Kaur). Le manque rare du dabbawala donne lieu à l'une des histoires d'amour les plus charmantes que vous verrez dans le cinéma hindi, un retour à l'esthétique plus simple et au style de vie sans exception qui pourraient rendre les Mumbaikars un peu nostalgiques. Dans une interview à India Today, Batra a donné un aperçu de l'erreur de livraison, il y a des éléments réalistes magiques intercalés dans l'histoire. Le public peut tirer ses propres conclusions, mais je ne pense pas que ce (erreur de livraison) soit une erreur. J'ai l'impression que c'est un miracle. Filmé avec le rythme lent d'un roman (qui permet d'esquisser des personnages nuancés), The Lunchbox est une vitrine magistrale des compétences d'Irrfan Khan alors qu'il tente de dépeindre la vie intérieure d'un employé de bureau quotidien qui a peut-être oublié le sens de l'espoir , l'amour et la vie elle-même. Ila réveille ses émotions endormies, et après un long échange de lettres clandestines cachées dans la boîte à lunch, les étrangers trouvent enfin le courage de se rencontrer. L'une des joies de The Lunchbox est l'association improbable d'Irrfan Khan et de Nawazuddin Siddiqui, mais en voyant le film, vous ne pourrez peut-être pas deviner le passage symbolique du flambeau - un spectateur innocent ne serait pas non plus en mesure de prédire l'ascension de Nawaz vers la célébrité. . Il s'agit d'un film sur l'ordinaire poétique et sans fanfare, l'ennui et le vrombissement des vies sans prétention et leur nostalgie, les Chhoti Si Baat, Baton Baton Meinand Wagle Ki Duniya de notre temps.
Navire de Thésée (2013)
‘Hamare har kaam ka prabhav kaal akash par rehte har parmanu pe padhta hai’ – moine Maitreya

Une photo du film Le Navire de Thésée. (Photo : Films Recyclewala)
Lorsque le prodige Anand Gandhi's Ship of Theseus est sorti en 2013, Shekhar Kapur, Sudhir Mishra et Dibakar Banerjee se sont immédiatement déclarés fans. Contemplatif et intellectuel, le Navire de Thésée tire son pouvoir des concepts de philosophie, d'identité, d'éthique et de religion. Pour un cinéaste si jeune (Gandhi n'avait que 33 ans à sa sortie), c'était toute une bouchée. Inspiré de la parabole de Plutarque qui pose la question inhabituelle : « Si toutes les pièces du navire sont remplacées au fil du temps, est-ce vraiment le même navire ? » Navire de Thésée transforme l'expérience de pensée en un traité utilisant le don d'organes pour souligner le choix et la moralité humains. Se déroulant en trois intrigues parallèles, la première met en scène une photographe aveugle (Aida El-Kashef) qui se réconcilie avec son handicap. Ensuite, nous rencontrons l'affable moine jaïn (Neeraj Kabi dans le rôle de Maitreya) qui est pris au piège entre la réconciliation de l'existence et de la survie avec son éthique morale et son idéologie qui menacent sa vie même. Luttant pour diminuer la « souffrance » de toute sorte, le sage refuse les traitements au motif que les médicaments ont été testés sur des animaux. Qu'en est-il de la violence que vous vous commettez en ne prenant pas de médicaments, argumente Charvaka, un jeune avocat frustré par l'entêtement de Maitreya. Du point de vue de Maitreya, la réponse à la lourde question du « sens de la vie » réside dans l'illumination et la libération éventuelle de la souffrance perpétuelle de la vie et de la mort. Le troisième épisode – et le plus pertinent – appartient au courtier en valeurs mobilières Navin (Sohum Shah) qui, en quête de rédemption, entreprend un voyage jusqu'en Suède pour aider un pauvre homme à récupérer son rein. Les trois protagonistes, comme le vaisseau fatidique, ont vu leurs parties du corps changer. Mais qui sait, un peu de leur moi originel était enfoui quelque part dans les décombres de leur nouveau corps ? Visuellement sublime, plein d'idées intelligentes et d'arguments cérébraux et un hommage au cinéma en tant que vaisseau de pensée et de philosophie, Ship of Theseus évoque un puzzle sur la vie et l'existence, ses mystères et ses significations. Regardez aussi : Tumbbad (2018) de Rahi Anil Barve de l'écurie Gandhi est un festin visuel, un mythe gothique qui prend vie.
Hazaaron Khwahishen Aisi (2005)
« C'est pourquoi je ne peux pas comprendre que vous, les enfants riches, jouez à ce jeu « changeons le monde ». Pendant que vous cherchez un moyen de sortir, je cherche un moyen d'entrer' - Vikram

Chitrangada Singh et Shiney Ahuja à Hazaaron Khwaishein Aisi. (Photo d'archive express)
Sudhir Mishra, aux yeux rêveurs et aguerris au combat, défendait le « indie » bien avant que le terme ne devienne monnaie courante. Et pourtant, le cinéaste aux cheveux argentés et charismatiquement décousu a dû se battre pour la pertinence presque chaque décennie. Personne ne suggère que tous ses films sont géniaux – il admet que certains sont halki (légers) – mais ceux pour lesquels il est le plus connu ont survécu à l'épreuve du temps. Il s'agit notamment de Dharavi (1991) et du culte Yeh Woh Manzil To Nahin (1987) et Is Raat Ki Subah Nahin (1996). De loin, Hazaaron Khwahishen Aisi est le plus abouti du lot, un film aussi intensément personnel que politique qui parvient à trouver la juste note entre l'anarchie et le romantisme de Mirza Ghalib et l'idéalisme déplacé et la violence émotionnelle du naxalisme. Densément stratifié et bien joué, le film de Delhi des années 1970, Hazaaron Khwahishen Aisi, raconte la vie d'amis Siddharth (Kay Kay Menon), Vikram (Shiney Ahuja) et Geeta (Chitrangada Singh).
Le socialiste Siddharth se rebelle contre son passé privilégié pour amener la révolution. Vikram est probablement son opposé - un fils négligé d'un père riche qui veut s'enrichir. Il finit par devenir un puissant fixateur dans les cercles de Delhi. Plus équilibré des deux, Geeta est leur distraction. Dans sa première sortie, Chitrangada Singh a une ressemblance frappante avec le grand Smita Patil, ce qui vous fait vous demander si Hazaaron Khwahishen Aisi a été tourné dans les années 1980, avec Patil aux côtés de Naseer-Om Puri en quel genre de film il aurait été transformé. Vœu pieux!
Pendant ce temps, Mishra aime mettre tous les discours creux sur la révolution, la justice sociale, l'égalité et le changement dans la bouche de ses personnages. Dans des scènes qui pourraient résonner davantage aujourd'hui, il ouvre le film dans un décor de type JNU, où les enfants de Bob Dylan et Jimi Hendrix dansent et boivent toute la nuit alors qu'ils élèvent des « laal salaams » et rêvent de paix et de prospérité, comme le dit le cynique Vikram. L'humour ironique de Mishra est magnifiquement intégré au scénario. Par exemple, la scène dans laquelle un riche propriétaire victime d'une crise cardiaque accepte d'être soigné par un médecin de caste inférieure, un héritier présomptif qui croit toujours au socialisme mais ne peut pas jeter les pièges de la richesse ou lorsque Vikram urine à ciel ouvert, chanter, S'il y a du bonheur, c'est celui-ci. Le film est fortement animé par la nostalgie. C'est à la fois un hymne et une élégie au rêve et à la décadence des années 1970, une génération que j'ai adorée, aussi la génération qui a échoué, a déclaré Mishra au magazine Outlook, ajoutant : « En plus, il y a aussi la beauté, la jeunesse et la passion. Et quand elle s'estompe, l'idée d'amour demeure. Pas étonnant, ils l'appellent un 'romantique incurable'.
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Dil Chahta Hai (2001)
‘Hum cake khaane ke liye kahin bhi jaa sakte hai’ – Sameer

Akshay Khanna, Saif Ali Khan et Aamir Khan dans Dil Chahta Hai. (Photo d'archive express)
L'amitié, les voyages en voiture, le passage à l'âge adulte et la famille dysfonctionnelle sont au cœur du cinéma de Farhan et Zoya Akhtar, et Dil Chahta Hai est leur réalisation suprême. Plus que cela, le film parle vraiment de «l'amour» – et de la façon dont les protagonistes y réagissent. Akash (Aamir Khan) est opposé à l'amour. Qu'est-ce que c'est que ces trucs d'amoureux ? demande-t-il au pétillant Shalini (Preity Zinta). Elle le quitte en haussant les épaules, vous ne l'aurez pas. Sameer (Saif Ali Khan), en revanche, confond l'engouement avec l'amour. Plus mature des deux, le réservé Sid (Akshaye Khanna) est le seul à vraiment comprendre le sens de l'amour. Son amour pour la beaucoup plus âgée Tara (Dimple Kapadia) est profond, quelque chose que sa famille et ses amis ne comprennent pas pleinement au début. La rampe de lancement de Farhan Akhtar ne contient aucune réflexion philosophique sur la nature de l'amitié et de l'amour, mais tire les bons coups émotionnels. 19 ans plus tard, il reste toujours aussi frais et drôle.